Hola amigos y amigas del arte!
En esta sección de nuestro espacio artístico e informativo vamos a hablar de lo que es el
ARTE PREMODERNO.
Para entender de una mejor manera esta etapa del arte podemos hacer un viaje al pasado en el que los humanos empiezan a utilizar diferentes maneras de comunicarse y al hacerlo abren las puertas a este maravilloso mundo artístico, el cual, con el paso del tiempo y las civilizaciones se va convirtiendo en la mejor herramienta para expresar diferentes fenómenos de la naturaleza humana y su manera de convivir, o existir...
ARTE DE LA PREHISTORIA
La historia de este maravilloso universo artístico comienza con el arte prehistórico, el cual se refiere a las distintas manifestaciones ornamentales, funerarias y religiosas elaboradas desde hace mas de 60.000 años por el hombre primitivo (Neanderthal) que sobrevivieron a los siglos para que hoy podamos saber de ellas. Generalmente se hallan en cuevas, cavernas y lugares de asentamientos primitivos descubiertos principalmente en el el continente europeo, así como otros importantes yacimientos arqueológicos en África, América y Asia.
Esta etapa se caracteriza porque todo usualmente era tallado en madera, sílex, hueso o piedra, o pintado en esta última mediante polvo de hemetita y otros pigmentos similares. Presenta siempre un profundo significado religioso, ya que lo místico o mitológico era un componente fundamental de relación del ser humano con la realidad circundante que siempre tendía a la abstracción, la estilización, el simbolismo y el esquematismo, alejándose de las pretensiones realistas. En el caso del arte rupestre, se hallaba en las paredes externas o superficiales de las cuevas y representa escenas de caza o símbolos indescifrables.
La era del arte prehistórico se divide en tres grande periodos:
Arte paleolítico. El más antiguo y primitivo de todos, consiste en su mayoría en pinturas y relieves realizados con las manos o con instrumentos de piedra, mediante técnicas rudimentarias o empleando pigmentos extraídos de minerales molidos.
Arte mesolítico. El arte de este período representa una transición entre las formas antiguas del Paleolítico y las nuevas del Neolítico. Su registro más conocido es el del arte levantino, originario de la franja oriental de España, donde se representaban escenas rituales mediante figuras muy esquemáticas, casi prejeroglíficas, por lo que se conoce también como arte esquemático.
Arte neolítico. Durante la llamada Revolución Neolítica, en que la humanidad abandonó la vida errante en favor de la sedentaria, el arte prehistórico da un vuelco, apareciendo así nuevos materiales que se iban descubriendo con las nuevas técnicas sedentarias, como la cerámica, fruto del horneado.
Hacia finales del período, además, aparece el arte megalítico o arquitectura megalítica, con sus enormes figuras de piedra como los menhires, las galerías de piedra o dólmenes, y otras misteriosas agrupaciones como las que componen el Stonehenge.
GRANDES OBRAS
La Venus de Willendorf. Fue tallada en piedra en algún momento del Paleolítico, entre el 28.000 a 25.000 a. C. Esta figurina de piedra hallada en 1908 en Willendorf, Austria, representa a una mujer desnuda, de senos y sexo notorios y abultados, tallada en piedra caliza y pintada con ocre rojo.
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El conjunto megalítico de Stonehenge es una de las construcciones más fascinantes que quedan en pie en el mundo entero. Datado hacia 1600-1400 a.C., este conjunto fue construido en la llanura de Salisbury, al suroeste de Inglaterra, entre los últimos períodos del Neolítico, finales de la Edad de Piedra y los primeros de la Edad del Bronce. Por tanto, su edificación se prolongó durante un extenso período de tiempo y es lógico suponer, por tanto, que debió de sufrir no pocas modificaciones a lo largo de esos años.
ARTE MESOPOTAMICO
Se le considera arte mesopotámico a la segmentación geográfica y cronológica que sufre la historia de arte durante la Edad Antigua en Mesopotamia. Hace alusión a las expresiones y representaciones artísticas que poseían las culturas de los pueblos mesopotámicos, que se desarrollaron en las orillas de los ríos Éufrates y Tigris y desembocan luego en el Golfo Pérsico, en la península Arábiga aproximadamente en el año 4000 a. C . Este paraíso terrenal acogió a una cantidad de pueblos que lo habitaron: Los sumerios, acadios, babilónicos, asirios, hititas, caldeos, medos y persas, entre otros, por esto nos encontramos con diversas etapas artísticas determinadas por la diversificación de pueblos que dominaron este territorio.
El arte se realizaba a base de los recursos naturales de los que se disponía tales como piedras conchas, mármol y alabastro. No hay datos sobre los nombres de los artistas porque las piezas estaban pensadas para ensalzar el tema del que se trataban y no al creador. Los artículos u obras populares que caracterizan este periodo son, sellos cilíndricos, estelas, esculturas en relieve y tumbas ricamente decoradas.
La guerra fue una preocupación constante, lo que determinó que gran parte del arte se dedicase a la glorificación de las victorias militares.
La religión tenía un rol muy importante en los asuntos del Estado, por lo que se dio primordial importancia a los edificios religiosos. Gran parte de las esculturas eran con fines espirituales.
La influencia del entorno natural. Al ser una civilización que carecía de algunos materiales para la construcción, como piedras ni madera, debieron utilizar en sus construcciones al ladrillo y adobe -mezcla hecha en base a lodo arcilloso-, que son materiales de menor duración. Por eso han quedado tan pocos vestigios de esta cultura.
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La Estela de la Victoria de Naram-Sin es la obra más importante de la cultura acadia, fue la primera obra artística que representó a un hombre como sinónimo de un dios. Hecha de arenisca, esta estela utiliza dos grapas importantes del arte antiguo, la jerarquía de escala y el simbolismo. Naram-Sin se muestra físicamente por encima de todas las figuras de la pieza, estableciéndose así como la persona más importante. También lleva una corona de cuernos y se encuentra de pie bajo las estrellas que están lo suficientemente cerca del gobernante como para que este pueda tocarlas. Esta estructura de la obra pretende hacer ver la divinidad de Naram-Sin.
La Puerta de Ishtar es sin duda alguna una de las obras más impresionantes y conocidas del arte mesopotámico. Está hecha de ladrillo azul y decorada alternativamente con imágenes de dragones y ganado salvaje. Fue encargada por el rey Nabucodonosor II, fue considerada en su época una de las Siete Maravillas del Mundo pero fue reemplazado por el Faro de Alejandría. Esta puerta fue dedicada a la diosa babilónica Ishtar y jugó un papel importante en las festividades religiosas de la Antigua Babilonia.
La Estela de Hammurabi. Esta es la obra más importante del arte hitita, representa el conjunto de leyes que el sexto rey hitita Hammurabi impuso y promulgó entre los ciudadanos de su reino. Es el primer código de leyes escrito de la historia y un magnífico ejemplo de cómo la sociedad dependía del arte con el fin de encontrar organización, estructura y educación. Hammurabi creía que había sido elegido por dios para hacer cumplir sus leyes divinas, para mostrar esta relación con la divinidad, el rey hitita ordenó la confección de una escultura que le representara a él mismo dialogando con lo divino justo encima del listado o código de leyes que impuso.
Esta estatua, denominada Lamassu, es una combinación del cuerpo de un toro con las alas de un águila y la cabeza coronada de un hombre, representa la protección definitiva contra el mal. Esta estatua se encuentra en la actualidad por duplicado a la entrada de la ciudad de Persépolis sirviendo como protector permanente.
ARTE EGIPCIO
El arte egipcio más conocido y estudiado son las obras del Antiguo Egipto (3000 a.C. - 30 a.C.) que ha perdurado hasta la actualidad. Principalmente monumentos funerarios y templos en los que se han encontrado esculturas y pinturas egipcias. Tras la unificación del Alto y del Bajo Egipto, la evolución del Egipto faraónico se divide en tres periodos: el Imperio Antiguo (2778 – 2263 a. C.), que abarca las dinastías III, IV, V y VI; el Imperio Medio (2065 – 1788 a. C.), cuyo núcleo fundamental lo forman las dinastías XI y XII, y el Imperio Nuevo, que comienza con la XVIII dinastía y la expulsión de los hicsos en 1580 a. C., que habían invadido el país en 1730 a. C.
Su arte, fundamentado en la religión y en sus ideas sobre la vida de ultratumba, en el carácter divino y sagrado del faraón, así como en la influencia del vivir agrario, se caracteriza por el colosalismo y monumentalismo de su arquitectura, por el hieratismo y frontalidad de sus esculturas y por la preponderancia del elemento lineal en su pintura.
Arte egipcio: arquitectura
Al ser un arte religioso y estar tan presente la creencia en la vida más allá de la muerte, es lógico que la mayoría de las construcciones que se conservan sean tumbas para los faraones y su corte (mastabas, pirámides e hipogeos) o templos destinados al culto de los dioses.
Es una arquitectura de grandes dimensiones, en la que se prefiere la piedra por su durabilidad aunque también se usan los ladrillos de adobe, adintelada y de líneas rectas.
Arte egipcio: escultura
En las tumbas y templos se han encontrado principalmente esculturas de bulto redondo y bajorrelieves tallados en piedra, bronce o madera pintada. Los motivos son variados: faraones y otros personajes de la corte, dioses, animales y escenas de la vida cotidiana.
La cabeza de las esculturas es la parte más realista aunque sin expresión en el rostro. Los cuerpos se representan de frente, idealizados, rígidos, con los brazos y las rodillas juntas y sin definir la musculatura hasta la época menfita. La importancia de las figuras en la composición se jerarquiza por su tamaño de mayor a menor.
Arte egipcio: pintura
La pintura tiene un valor secundario en el arte egipcio. Se emplea como acabado en la escultura, para decorar paredes de adobe en construcciones menos relevantes y en papiros. Ligada a la escritura jeroglífica, comparte las mismas convenciones de representación que el bajorrelieve: Sin fondo, sin perspectiva, la superficie es un plano imaginario neutro, lectura en filas horizontales o verticales.
Escala jerarquizada de las figuras dentro de la composición, no existe el punto de vista único. Las imágenes son diagramas compuestos con las partes más expresivas de las figuras. Por ejemplo, una figura humana se representa con las piernas y la cabeza de perfil, pero con un ojo, una ceja y el torso frontal.
ARTE ANTIGUO EN AMERICA
En una evolución paralela a la de los pueblos neolíticos europeos, los antiguos cazadores-recolectores se iniciaron en la agricultura en torno al VII milenio a. C. —especialmente el maíz—, surgiendo las primeras sociedades en las tierras altas de México, donde se observa el predominio de una casta sacerdotal, con grandes conocimientos en matemáticas y astronomía. Los primeros hallazgos artísticos son de alrededor del 1300 a. C. en Xochipala (estado de Guerrero), donde se hallaron unas estatuillas de arcilla de gran vivacidad. La primera gran civilización mesoamericana fue la olmeca, localizada en un espacio que actualmente corresponde a las provincias de Veracruz y Tabasco, donde destacan las esculturas de piedra, de gran naturalismo (Luchador, hallado en Santa María Uxpanapán), o las colosales cabezas monolíticas de hasta 3,5 metros de altura. Los zapotecas, establecidos en Oaxaca, construyeron el magnífico conjunto de la Ciudad de los Templos, en el Monte Albán. En América del Norte destacaron las culturas Hohokam, Mogollón y Anasazi.
En Perú está documentada la construcción de grandes templos antes incluso de la invención de la cerámica, en el III milenio a. C. (Sechín Alto, Kuntur Wasi). Destaca Chavín de Huántar (900 a. C.), complejo religioso construido en diversas fases, con una estructura en forma de U, con una plaza embaldosada con losas en relieve con figuras de jaguares y animales mitológicos, templo edificado sobre tres pisos de galerías, y un monolito central de granito blanco de 4,5 metros de altura. En esta región surgió una notable industria textil, quizá la primera del mundo, hilada con telar con hilos de casi 200 colores distintos, destacando especialmente los mantos de lana de Paracas. Otras culturas remarcables de la región fueron la moche y la nazca —con sus enigmáticos geoglifos de Nazca—. En la zona del Amazonas destacó la cultura barrancoide, con una cerámica de diseños incisos, así como la cultura San Agustín en Colombia.
ARTE ANTIGUA GRECIA
Aquí encontramos un conjunto de manifestaciones artísticas especialmente en la arquitectura y la escultura que ejercieron una influencia extraordinaria en la cultura occidental hasta el presente. Ciertas formas incluso se expandieron hacia Oriente a partir de las conquistas de Alejandro Magno, dando lugar al desarrollo del estilo greco-búdico o Gandhara en la India.
Las fuentes para conocer el arte griego son los propios restos que se han conservado, aunque deteriorados y dispersos; las copias realizadas por los romanos a partir de la conquista de Grecia y, finalmente, las obras literarias o tratadistas escritas de la antigüedad, ya que la griega fue la primera cultura que escribió acerca del arte y los artistas.
En sus inicios, el arte griego recibió influencias de las civilizaciones minoica y micénica, y especialmente de Egipto y la Mesopotamia, pero pronto desarrolló características particulares bien diferenciadas.
Se priorizó la representación de la figura humana de acuerdo con un ideal de belleza que respondía a una concepción intelectual y filosófica. Para ello establecieron un canon, es decir, una serie de relaciones entre las partes de las obras que aseguraban el equilibrio y la armonía.
Al mismo tiempo que se buscaba la representación de la figura humana, de acuerdo con el canon idealizado de belleza, existía la intención de representar la vida interior de los personajes.
Tanto las esculturas como los templos estaban pintados para brindar un aspecto naturalista a las formas humanas y a las narraciones representadas.
Se comenzó a valorar la belleza de las obras de arte, más allá de su función conmemorativa, de homenaje o recordatoria. Esto favoreció la aparición de coleccionistas, críticos y teóricos de arte.
Estilo geométrico
Apareció alrededor del siglo VIII a. C. No se han conservado monumentos de este período, que se caracterizó por la ornamentación de la cerámica con formas geométricas y escenas realizadas con figuras esquemáticas y sintéticas. Entre el 700 y el 600 a. C. este estilo derivó hacia otro más descriptivo y orgánico, conocido como estilo orientalizante.
Período arcaico
El cual se comprende desde finales del siglo VII a. C. hasta el 480 a. C. Durante este período aparecieron las primeras manifestaciones de arquitectura y escultura monumentales realizadas en piedra y destinadas a perdurar.
Esta etapa se caracterizó por la producción de cerámica decorada con escenas mitológicas, literarias y de la vida cotidiana, y por el protagonismo de las representaciones humanas: hombres jóvenes desnudos (kouros) y mujeres vestidas (koré) con formas convencionales y algo rígidas.
Período clásico
Abarca desde el 479 a. C. hasta el fin de la guerra del Peloponeso, en el 404 a. C. Corresponde al momento en que el arte y la cultura griega llegaron a su máximo desarrollo.
Luego de una etapa de transición, conocida como período severo, los artistas griegos lograron condensar en sus formas la concepción filosófica de la época. Como consecuencia produjeron obras equilibradas, armónicas y serenas, que respondían al ideal de belleza griego. En Atenas se reconstruyó la Acrópolis, la cual había sido destruida por las invasiones persas, y se construyó el Partenón, templo dedicado a la diosa Atenea.
ARTE ROMANO
Con el concepto de arte romano se designa el conjunto de manifestaciones artísticas, especialmente la arquitectura, escultura, pintura y artes decorativas, características de la Antigua Roma, producidas entre los siglos VI a. C. y IV d. C. aproximadamente. A lo largo de aquel período, la ciudad de Roma se expandió primero por la península itálica y luego por el resto del mundo Mediterráneo, hasta constituir una inmensa civilización conocida como Imperio romano.
El arte y la cultura romanos recibieron la influencia de la civilización etrusca, durante los primeros siglos, y de la griega a partir del siglo III a. C. Desde el siglo I a. C. esas influencias, adaptadas al gusto y a las necesidades romanas, adquirieron un carácter propio fácilmente reconocible.
Su gran influencia griega, que se inició a partir del contacto de Roma con las ciudades griegas instaladas en el sur de Italia, se intensificó con la conquista de los reinos macedonios.
La mayoría de los artistas que trabajaban en Roma eran griegos y los coleccionistas adquirían o hacían copiar esculturas de ese origen.
Alcanzó su máximo desarrollo a partir de la constitución del Imperio, bajo el reinado de Augusto, en el año 27 a. C. Entre las clases altas se desarrolló un intenso consumo de obras que estimuló el comercio artístico.
Se destacaron de su arte la arquitectura y la escultura. En ambas disciplinas los romanos introdujeron nuevas tipologías y géneros.
Simultáneamente al arte estatal y monumental, existió un arte popular que se manifestó en los relieves de las tumbas. Estos relieves muestran un gusto por la representación minuciosa de situaciones de la vida cotidiana.
La mayor parte de la pintura que sobrevivió de la antigua Roma es mural y procede de la ciudad de Pompeya. Estos frescos quedaron preservados cuando la ciudad fue sepultada por las cenizas de la erupción del Vesubio, en el 79 d. C.
La escultura romana, especialmente a partir del Imperio, importó los modelos griegos, pero los adaptó a su propia concepción del mundo, más concreta, realista y práctica.
El retrato escultórico atravesó diversas etapas estilísticas: en el período republicano eran más rígidos y austeros; luego, tendieron a la idealización de los personajes en los primeros años del imperio y hacia el final adoptaron rasgos más expresivos. A pesar de esas diferencias, los retratos siempre buscaron reproducir de manera naturalista los personajes que representaban.
Los relieves narrativos son verdaderas descripciones históricas realizadas sobre la piedra. En general, representaban las glorias militares de los emperadores y generales y se desplegaban en altares, arcos de triunfo, columnas conmemorativas y tumbas.
ARTE MEDIEVAL
El arte medieval es un periodo de la historia del arte que desarrollo un largo periodo para una grande extensión espacial. En la Edad Media, que va desde el siglo X al siglo XV, son más de mil año de este tipo de arte para África del norte, Europa y Oriente medio. Es por lo que el arte medieval está considerado uno de los periodos más largos de la historia del arte. Se incluyen varios movimientos artísticos en diferentes períodos entre ellos se encuentran los regionales, locales y nacionales, tiene diversos géneros, varias etapas de florecimiento a las cuales se les llamaron renacimiento, tiene obras de artes destacadas y propios artistas que en la Alta Edad Media se mantenían en el anonimato. En la Antigüedad tardía se incorporó la herencia artística clásica traída por el Imperio romano con contribuciones del cristianismo primitivo y de la cultura bárbara. Por la mezcla de estilos artísticos se produjo unas características artísticas muy particulares.
El arte medieval se manifestó en diferentes medios y distintas disciplinas tanto artísticas como técnicas entre ellas destacan: manuscritos, orfebrería, escultura, pintura en tabla, mosaicos, frescos, arquitectura, entre otras. También tenemos que incluir los oficios y las artes que no se incluían normalmente en las bellas artes como por ejemplo la confección de la vestimenta medieval.
Las obras de artes medievales aparecieron en un contexto donde no existía todavía la definición de arte ni tampoco existía la de la belleza, incluso tampoco existía el concepto de bellas artes o de artistas. El arte medieval tenía que cumplir tres características fundamentales para ser ese tipo de arte.
Tiene que tener carácter de ofrenda hacia Dios, difuntos o santos. Su objetivo es conseguir su indulgencia, su gracia, entre otros. Por esto todo artista medieval no duda de legitimidad de la riqueza en los adornos de monasterios, iglesias y otros lugares de cultos ya que dicha riqueza era una ofrenda para Dios.
Tiene que ser un intermediario entre lo humano y el mundo sobrenatural. Suele incluir imágenes medievales en función pedagógica que explican los dogmas de la fe cristiana y su historia sagrada.
Ha de ser una confirmación de poder, por un lado ha de ser el poder de Dios y de la Iglesia y por otro sitio el poder político. Aunque a finales de la Edad Media surgen otros agentes sociales.
ARTE PALEOCRISTIANO
Se desarrolla en las primeras comunidades cristianas de los siglo II y III hasta la caída del Imperio Romano de Occidente, el nexo de unión entre la cultura y el arte de la Antigüedad Clásica y la Edad Media Cristiana. En ese tiempo las obras cristianas adquirieron varias técnicas artística romanas en la pintura, trabajos con mental, mosaicos, tallas y arquitectura. Se crearán dos manifestaciones artísticas de la importancia del templo basilical y la iconografía narrativa y simbólica del Cristianismo. Las dos manifestaciones arquitectónicas de este periodo son las Domus Ecclesiae, que eran para la celebración del rito cristiano, sin una forma especial y los Cimeterios (cementerios), donde se hacían los enterramientos cristianos.
ARTE BIZANTINO
El arte bizantino nace y se desarrolla a partir del siglo IV después de Cristo en el imperio romano de oriente, donde florece hasta el siglo XV. De ahí, se pasa a los países del Este de Europa. Es un arte subordinado al poder del emperador y más tarde también el poder religioso. Tiene influencia del cristianismo, del racionalismo griego y del Islam. Los motivos religiosos permeaban todo el arte en Bizancio, estaban dentro de los templos en las paredes o como objeto específico del culto a través de estatuas o también como pequeños y portátiles objetos de veneración a los que se les conoce con el nombre de Iconos.
ARTE ISLAMICO
Es el estilo artístico que se desarrollo en la cultura generada por la religión islámica, con una unidad estilística debido al desplazamiento de los artistas, comerciales, mecenas y obreros. Concedieron gran importancia a la geometría y a la decoración destacando tres tipos: la caligrafía cúfica, mediante versículos del Corán, la Lacería, mediante líneas entrelazadas que formaban estrellas o polígono y la Ataurique, mediante dibujos vegetales. En arquitectura, crearon edificios con funciones específicas tales como mezquitas y madrazas. Referente a la escultura se realizaron objetos de metal, marfil o de cerámica, aunque hay poco arte en esta rama artística.
ARTE PRERROMANICO
Las influencias germánicas y clásicas son las más destacadas en este movimiento y por ello se extienden los motivos y las formas que tiempo después forma el arte románico. En el prerrománico hay determinadas características comunes, una de ellas es la relativa ausencia de grandes programas arquitectónicos, una escasez de esculturas de gran tamaño, tienen predilección por la orfebrería y la ilustración de manuscritos y como última una evolución formal hacia la simplicidad, la esquematización y el simbolismo en las artes figurativas, con todo esto se consigue una mayor expresividad, renunciando al realismo y utilizan una mucho los motivos decorativos. Una influencia visigoda, la convivencia con el arte islámico andalusí y los contactos con el resto de la cristiandad latina produjeron en los reinos cristianos del norte peninsular formas artísticas de particular interés: como el arte asturiano y el arte mozárabe.
ARTE GOTICO
El arte gótico es un estilo artístico que predominó en la arquitectura religiosa, escultura y pintura de Europa entre el siglo XII y el siglo XV, hasta el surgimiento del movimiento cultural del Renacimiento. Lo precedió el arte románico (siglo XI y XII). Se considera a la basílica de la abadía real de Saint Denis en Francia como el primer monumento catalogado de estilo gótico. Fue construida a partir del 1140 por Suger, el abad o superior de ese monasterio, considerado el impulsor del arte gótico.
En un principio, el término gótico fue designado de manera despectiva por los escritores italianos clasicistas del Renacimiento que consideraban a todo lo que no era clásico como una fealdad. Le atribuían el arte gótico a las tribus bárbaras que habían destruido al Imperio romano y su cultura clásica del siglo V d. C. El arte gótico fue valorado recién a partir del siglo XIX d. C. y fue considerado grandilocuente e imponente.
ARTE DE LA EDAD MODERNA
Se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. La Edad Moderna supuso cambios radicales a nivel político, económico, social y cultural: la consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo; los nuevos descubrimientos geográficos —especialmente el continente americano— abrieron una época de expansión territorial y comercial, suponiendo el inicio del colonialismo; la invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura, que se abrió a todo tipo de público; la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que coadyuvó el surgimiento del protestantismo; a la vez, el humanismo surgió como nueva tendencia cultural, dejando paso a una concepción más científica del hombre y del universo.
El origen de la historia del arte como tal data del siglo XVI, considerándose las Vidas de Giorgio Vasari el texto inaugural del estudio del arte con carácter historiográfico. El método que siguió el erudito florentino era la biografía del artista. Esta metodología fue la que se impuso hasta el siglo XVIII, cuando el historiador alemán Johann Joachim Winckelmann inició un nuevo tipo de análisis del arte buscando en el desarrollo de las civilizaciones una evolución estilística
ARTE DEL RENACIMIENTO
El arte renacentista fue un movimiento artístico que surgió en Italia en el siglo XIV, durante la transición entre la Edad Media y la Edad Moderna, y se destacó por su interés en el saber de la razón y en los valores clásicos de la antigua Grecia. La colonización de América y el fin de la época medieval cambiaron la comprensión de la realidad. El hombre comenzó a creer en su propia individualidad, en su propia mente y en las ilimitadas posibilidades del conocimiento.
El movimiento surgió en un contexto de prosperidad económica y de desarrollo de nuevas tecnologías como la imprenta, que impactó de manera directa en la difusión del conocimiento, las artes y la filosofía. Se destacaron artistas como Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel y Rafael.
El arte renacentista atravesó dos etapas principales:
El Quattrocento (siglo XV). En este período se investigó sobre las construcciones de monumentos romanos y griegos y se introdujo la perspectiva y la pintura al óleo.
El Cinquecento (siglo XVI). Se logró la madurez de la época renacentista. Surgieron los grandes artistas que marcaron época, tales como Miguel Ángel, Da Vinci, Miguel de Cervantes, Rafael, entre otros.
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El arte renacentista se caracterizó por:
Recuperar aspectos de la cultura clásica greco-romana, como la armonía y la proporción como ideal de belleza, además de los temas mitológicos.
Basarse en el concepto del ser humano como centro de todas las cosas, en lugar de considerar a Dios como centro del universo (si bien el arte renacentista tomó como figuras principales a los ángeles, a los apóstoles y a Dios).
Debilitar a la Iglesia, que perdió poder social ante la nueva concepción de la razón como el centro de todo. Predominaba la idea de razón por sobre la fe.
Considerar al sufrimiento humano como consecuencia de la ignorancia. Sostenía que el conocimiento conducía a la felicidad del hombre.
Buscar la perfección, simetría y proporción en las líneas, tanto en la pintura como en la escultura, para representar el cuerpo humano.
Considerar las artes plásticas como forma de expresar conocimientos de geometría, matemática, anatomía, botánica y filosofía.
Abordar temas como la mitología, la historia, el cuerpo humano y la naturaleza.
Emplear la técnica de la pintura al óleo en la pintura sobre lienzo.
Crear el ensayo, un nuevo género en la literatura.
Incorporar el mecenazgo, durante este período las figuras importantes y poderosas de la época (reyes, príncipes y nobles) realizaban encargos para la decoración de iglesias u otras construcciones de importancia.
ARTE DEL MANIERISMO
El manierismo fue el estilo que caracterizó el arte europeo entre los años 1520 y 1600, aproximadamente. Este surgió en Italia y desde allí se difundió hacia casi toda Europa, a través del trabajo de los artistas italianos en las distintas cortes reales. Se suele establecer su inicio a partir de la muerte de Rafael Sanzio, el último representante de un Renacimiento clasicista y equilibrado. El nombre manierismo deriva de la palabra «maniera», que en el italiano del siglo XVI significaba «estilo». Sin embargo, en su origen tenía una connotación negativa: los teóricos del siglo XVII lo llamaron de esta manera en referencia a lo que parecía ser la imitación del estilo renacentista por parte de artistas no tan talentosos como los de la generación anterior.
Las principales características del manierismo son las siguientes:
Es un arte surgido a partir de la crisis que significó para Italia la pérdida de su supremacía económica, así como el impacto sobre el papado de la Reforma protestante y el sacco de Roma por las tropas de Carlos V.
Durante el siglo XVII y hasta el siglo XX fue considerado un arte decadente, continuador imperfecto del Renacimiento. Se consideraba a los artistas manieristas como imitadores de escaso talento de los grandes artistas renacentistas, especialmente de Rafael Sanzio y Miguel Ángel Buonarroti.
Fue revalorizado a partir del siglo XX al ser analizado como una manifestación original de un momento particular de la sociedad europea.
En contra de las fórmulas clásicas del período anterior, que tomaban como modelo a los antiguos clásicos y la naturaleza, los manieristas tomaban como referencia las obras de artistas de las generaciones anteriores a ellos.
Por sobre esas normas clásicas del arte, los artistas privilegiaron la visión interior, la subjetividad y el gusto personal. Esta subjetividad se manifestó de distinto modo: mientras algunos artistas plasmaban visiones espirituales; otros produjeron obras intelectuales y sofisticadas.
En el aspecto formal, las obras manieristas se caracterizaron por el descentramiento, la desarticulación de la unidad espacial, la pérdida de relación lógica entre lo principal y lo secundario, el uso de colores disonantes, las exageraciones y las desproporciones.
Es un estilo artístico internacional y aristocrático, muchas veces asociado a cierta diversión intelectual vinculada al consumo de las clases altas.
ARTE BARROCO
El Arte Barroco comenzó como una continuación del Renacimiento y del Manierismo. Sin embargo, los eruditos de la época comenzaron a ver las diferencias drásticas entre los dos estilos, y también, como el estilo del renacimiento dio paso al arte barroco. Igualmente, tanto la arquitectura barroca, como la escultura y pintura tienen un carácter dramático. Por lo que, fueron herramientas poderosas en manos del absolutismo religioso y secular que floreció al servicio de la iglesia católica y las monarquías católicas. De allí que, los artistas barrocos se centraron particularmente en las formas, espacios, colores y luces naturales. Así como también, en la relación entre el observador y el sujeto literario o retrato para producir una fuerte, casi enmudecida experiencia emocional. Te invitamos a leer y conocer más de este importante arte a continuación.
Las causas políticas y religiosas: posiblemente en la actualidad todas las personas conozcan al arte barroco como un arte de contrarreforma. La iglesia Católica para actuar en contra del protestantismo, mandó la edificación de diversos templos con un exceso de escultura. Además no solo eso sino que exigió a los artistas que se alejaran de crear obras con temas paganos y por ello tuvieron que evitar los desnudos o escenas alborotadoras. Con unas normas estrictas y conservadoras se desarrolló lo que llamamos Barroco.
Las causas psicológicas y sociales: en el siglo XVII la vida estaba repleta de dolor y muerte por la aparición de la guerra. Con esta nueva necesidad, el artista Barroco intenta experimentar con el arte hasta dar lugar al movimiento y el color, es por ello por lo que las obras de ese siglo intentan transmitir una agitación y un amor por la vida representada de forma dramática. Con esta nueva necesidad de experimentar el arte barroco comienza a caracterizarse por el uso del “juego de las sombras” y de la decoración magnífica y espectacular.
-Representación de sentimientos y emociones más que por la mera imitación de la realidad que rodeaba a los artistas de la época.
-Las obras en el arte barroco incluyen temáticas religiosas que habían sido dejadas de lado por el Renacimiento y buscan representarlas de manera altamente expresiva.
-Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.
-Una intensa espiritualidad que aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas.
-La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas; tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.
-El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia.
-Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes.
-La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
-Los edificios solían construirse con materiales pobres pero resaltando la majestuosidad y la monumentalidad de la obra.
Para cumplir con su papel de propagandista, el arte barroco de inspiración católica solía ser de grandes obras de arte público, tales como pinturas murales monumentales y enormes frescos en los techos y bóvedas de iglesias y palacios. Así, la pintura barroca ilustra los elementos fundamentales del dogma católico, ya sea directamente en obras bíblicas, o indirectamente en composiciones mitológicas o alegóricas. Junto con este enfoque monumental, magnánimo, los pintores retratan típicamente un fuerte sentido del movimiento, usando remolinos espirales y diagonales ascendentes y fuertes colores suntuosos, para deslumbrar y sorprender.
ARTE ROCOCÓ
El rococó fue un movimiento artístico que se originó, primero, como un arte decorativo en Francia y que se extendió por Europa, entre 1730 y 1770. Significó el fin del período Barroco (1600 – 1750) que también reflejaba la opulencia absolutista, pero desde una estética oscura, pesimista y religiosa.
El rococó fue un estilo que representó a la vida aristocrática de la época y que se caracterizó por la elegancia y la exuberancia en la ornamentación decorativa, pintura y arquitectura, con la particularidad de usar colores más vivos y alegres respecto al arte barroco.
El término rococó proviene de las palabras francesas rocaille que alude a “piedra” y coquille que significa “concha”, dos elementos que se destacaron en la ornamentación por su capacidad de ser trabajados y por su valor al ser elementos que provenían de la naturaleza.
El rococó fue un estilo artístico que perduró durante unas pocas décadas, en comparación al movimiento Barroco que resultó un período en la historia del arte. Si bien, ambos estilos suelen tener aspectos similares, el rococó se caracterizó por:
Desarrollarse primero en las artes decorativas y el diseño de interiores para, luego, ejercer su influencia en la arquitectura y la pintura.
Representar la opulencia aristocrática, algo similar al estilo Barroco, con la diferencia del uso de colores más vivos e intensos.
Connotar lo refinado, lo agradable y la elegancia.
Representar los ostentosos eventos y las reuniones sociales de la época.
Contener demasiados elementos decorativos, con líneas ondulantes y asimétricas.
No respetar las proporciones humanas, como sí lo hacía el estilo barroco.
Representar un arte mundano y superficial, alejado de los conceptos religiosos o la espiritualidad.
El rococó surgió como una reacción contra el denso y pesado estilo del Palacio de Versalles de Luis XIV en París, y contra el arte barroco instaurado en esa época. Artistas como Pierre Le Pautre, J. A. Meissonier, Jean Berain y Nicolas Pineau buscaron desarrollar un estilo decorativo más ligero y sensual para las nuevas residencias y palacios de la nobleza.
El estilo rococó se diferenció del barroco por la decoración interior de paredes, techos y molduras, repleta de delicados entrelazados de curvas, líneas asimétricas y formas naturales como las conchas marinas. Predominaron los colores pasteles, blanco marfil y oro, y el uso de espejos para dar mayor sensación de amplitud en los ambientes. La ornamentación rococó se aplicó también, en porcelanas, objetos y muebles.
ARTE DEL NEOCLASICISMO
El neoclasicismo fue un movimiento artístico e intelectual que se originó en Roma en el siglo XVIII y luego se extendió por toda Europa. Se opuso a los estilos que lo antecedieron, como el rococó y el barroco, que los consideraba vanidosos y basados en la fantasía.
El neoclasicismo reflejó la realidad política y social de una época caracterizada por los enfrentamientos violentos entre clases, como la Revolución Francesa (1789). Acompañó el comienzo de una nueva era llamada El siglo de las luces, que aludía a la claridad del conocimiento y de la razón, para “iluminar” a la humanidad ignorante de la época.
El período del neoclasicismo resultó la transición del antiguo régimen hacia uno nuevo, basado en la difusión del conocimiento desde la ciencia y la razón. A comienzos del siglo XIX y ante la caída de Napoleón Bonaparte (1815) el movimiento neoclásico dio lugar al romanticismo, que perduró hasta el siglo XX y se basó en las emociones, la individualidad y la libertad.
Las obras neoclásicas eran serias, con moderado énfasis en las emociones y creadas desde la simplicidad de la técnica. Mediante representaciones precisas, tanto en el detalle de los rostros como de los escenarios, y actitudes verosímiles, las obras expresaban situaciones de la sociedad de la época.
Entre las principales características del neoclasicismo se destaca que:
Resultó el arte del siglo de las revoluciones y pretendía alcanzar el orden y la armonía desde la moral.
Involucró a las artes decorativas y visuales, la literatura, el teatro, la música y la arquitectura.
Rompió con el abarrotado estilo barroco, en búsqueda de uno más racional y fiel a la realidad.
Transformó a la sociedad a través del arte, con nuevos enfoques ilustrados basados en la ciencia y el conocimiento.
ARTE DEL ROMANTICISMO
Se conoce como Romanticismo a un movimiento artístico y filosófico que surgió en la Europa de finales del siglo XVIII. Fue una reacción a los paradigmas imperantes de racionalismo y Neoclasicismo que trajo consigo la Ilustración.
El Romanticismo se opuso a la fe en la razón humana y al espíritu ordenado de la época, que sostenía reglas más o menos fijas y racionales para el arte y el pensamiento. Por el contrario, valoró la subjetividad y los sentimientos humanos, las libertades creativas y el genio, es decir, la originalidad.
Este movimiento fue fundamental en la historia cultural de Occidente y con el paso del tiempo dio pie a nuevos movimientos, especialmente musicales, pictóricos y literarios. Sus valores se vieron revividos y llevados al límite en el siglo XX, con el surrealismo. Sin embargo, su huella aún permanece en nuestro modo de concebir el arte, la vida, las pasiones y el amor.
El romanticismo surgió primero en Francia, Alemania, Reino Unido y España. Fue tan exitoso que pronto se esparció por Occidente entero, incluidas las Américas Se le considera el primer movimiento cultural que cubre Europa en su totalidad. Su apogeo llegó más tarde, aproximadamente entre 1800 y 1850. Los orígenes de las ideas del Romanticismo datan de la Revolución Francesa y el idealismo de libertad, fraternidad e igualdad que lo impulsaba. También se remonta al movimiento prerromántico surgido en el siglo XVIII. Este se oponía al mundo reglado y convencional de la Ilustración y del Neoclasicismo imperante en las academias de arte. En este sentido, estuvo también muy vinculado a fuertes sentimientos nacionalistas, que veían el cosmopolitismo ilustrado como una amenaza.
Durante la Ilustración, habían resurgido los valores y formas de la Antigüedad Clásica, en un movimiento que se llamó Neoclasicismo. Para los románticos, parte de la reacción a la Ilustración fue valorizar aquello que ese movimiento había rechazado: la cultura medieval. Así, se retornó al imaginario medieval y las tradiciones folklóricas nacionales, pero también los temas y sentimientos cristianos. Con ellos, reaparece la nostalgia por los paraísos perdidos.
Dentro de la experiencia subjetiva se realza también el sufrimiento y las pasiones, que suponían un aspecto potente y sobrecogedor de la naturaleza humana. Se cuentan amores fogosos e incontenibles, historias trágicas e irremediables, con presencia de entidades sobrenaturales o religiosas.
ARTE DEL REALISMO
El Realismo fue un movimiento artístico y literario cuyo propósito fue la representación objetiva de la realidad basada en la observación de los aspectos cotidianos que brindaba la vida de la época. Esta contemporaneidad facilitó a los artistas un amplio campo de representación entre 1840 y 1880.
La aparición y desarrollo del Realismo fue fruto de la agitada situación política francesa desde la proclamación de la República, en 1848, hasta el advenimiento de la Comuna de París. Es a lo largo de estos años cuando surgen los movimientos obreros y proletarios que inspiran nuevos sentimientos sociales y nuevas ideas políticas.
Este Realismo comenzará como movimiento reivindicativo: la representación del pueblo sin idealismo. El desarrollo del Realismo estuvo también vinculado a los avances tecnológicos de la Segunda Revolución Industrial: ferrocarril, teléfono, telégrafo…
En estos mismos años se elaboraba la filosofía positivista de Compte para afrontar la realidad directamente con las armas de la razón, para someterla a sus leyes. La pintura realista tendría en común con la filosofía positivista su interés por la observación meticulosa.
En la pintura realista destacan las siguientes particularidades:
Denuncia de las secuelas de la industrialización.
Pérdida del deseo de evasión del Romanticismo para centrar la atención en la realidad objetiva y el presente.
El hombre aturdido por su trabajo abrumador es un tema frecuente en las obras.
El Realismo se caracterizó por su afán de veracidad, al retratar campesinos o trabajadores; su contemporaneidad, al sostener que el único tema válido para el artista era el mundo coetáneo; su compromiso social, al abordar temas que hasta entonces se habían ignorado, en estrecha conexión con la literatura y su variedad de temas: intimistas, familiares, reuniones al aire libre, paisajes rurales y urbanos.
Es entonces cuando el realismo introduce sensaciones de vitalidad, instantaneidad y nuevos enfoques, aproximándose así a la fotografía. Estos aspectos serán retomados por el Impresionismo.
El realismo alcanzó especial desarrollo en Francia y tuvo en Courbet, Millet y Daumier a sus grandes figuras.
BIBLIOGRAFÍA:
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https://www.caracteristicas.co/arte-en-el-romanticismo/
https://masdearte.com/movimientos/realismo/
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